여름, 사과가 떨어질 때

여름, 사과가 떨어질 때

“나는 일상의 한 장면을 사진으로 기록한 뒤 회화로 옮기는 작업을 한다. 나의 그림은 대부분 일상적인 사물이나 풍경의 모습으로 드러나지만, “사람”에 대한, 사람 사이의 “관계”에 대한 이야기이다. 주로 나 혹은 내 주변의 가까운 사람들의 어떤 모습을 그리게 되는데, 나 혹은 그들이 세상의 자극에 반응하거나 관계 맺는 방식이 낯설게 느껴질 때, 그 장면을 사진으로 포착하여 기록하게 되고, 그 장면들 중 친숙한 사물이나 풍경을 선택하여 회화로 옮기는 작업을 하고 있다. 그것은 사회적인 역할이나 의무를 벗고 자신의 맨 얼굴과 마주한 사람이 보여주는 마음의 풍경들이다.” – 장은의

장은의의 작가 노트에서 발췌한 위 문장은 그녀의 작업이 공감에서 촉발 하여 페인팅이 되는 과정을 보여준다. 2019년 독일 하우스 데어 쿤스트 에니거(Haus der Kunst Enniger) 에서의 두 번째 레지던시를 마무리하며, 작가는 본인의 확장된 작업 개념을 인상적으로 보여주는 서른 개 이상의 정물화 연작 ‘두 개의 원’을 선보인다.

그림의 주제와 그것이 그려진 방식은 작가의 의도를 바로 드러내지 않는다. 그림 속 대상 자체는 쉽고 명확하게 알아볼 수 있지만, 그들의 의미와 그들 사이의 관계는 시간이 지나야 점차 베일을 벗는다.

맑은 차가움

오랜 시간 동안 작가 장은의는 평범한 사물을 관계 짓고, 이를 회화시리즈로 재현하는 작업 방식을 고수해 오고 있다. 이는 무엇보다 작가의 숙련된 작업 과정에서 잘 나타난다. 전시 타이틀에서 보이듯 우리는 사과를 그녀 그림 속의 주요한 소재로 마주하게 된다.

작가는 사과와 인공물이 관계 짓는 순간을 수많은 형식적 변화 속에서 찾아낸다. 이어서 카메라를 이용해 위에서 아래를 향해 수직으로 내려다보며 이 순간을 사진으로 포착한다. 사진은 대상들 사이의 관계를 기록하고, 이것들이 놓인 위치와 이것들 사이의 크기, 비율 등을 자세히 관찰할 기회를 마련해준다. 이 시점에서 작가는 그림의 크기와 형태를 결정한다. 그러고 나서 작가 특유의 청명한 파란색이 감도는 캔버스 위에 스케치한다. 그리고 마침내 채색이 시작된다. 형태와 색이 이상적인 열매와 그와는 생경한 인공물이 관계 지어 놓인 연작에서 인공물의 형태는 기본적으로 둥글지만 저마다의 다양한 표면과 물성을 지니고 있다. 다른 연작에서는 그릇이나 접시에 놓인 풋사과가 반복되어 등장한다.

말하자면 장은의는 자연주의 회화 – 있는 그대로 실제의 대상을 재현하는 – 에 대해 본인의 방식으로 도전을 하는 것이다. 캔버스 위 붓질과 물감은 정교함 이외에도 무게를 빼앗긴 사물들의 가벼움을 보여줌과 동시에 작가가 어떤 사람인지 암시한다. 맑은 차가움으로 작가는 입체감, 물성 그리고 생동하는 아우라가 담긴 매우 간결한 그림을 만들어낸다. 수평선과 경계가 없는 그림 표면에선 오직 물체의 그림자만이 은은하게 떨어지고 있고, 이 그림자는 우리가 공간의 방향을 가늠케 한다.

새로운 연작에서 눈에 띄는 점은, 작가가 자신을 절제하면서도 그림의 소재와 크기 그리고 인공물의 형태를 더 자유롭게 다루고 있다는 것이다. 작가는 이렇게 커다란 캔버스 위에 대상을 확대하여 재현함으로써 그들에게 서슴없이 마술적 현존을 부여한다. 또 다른 연작에서는 도자기 접시에 섬세한 양파무늬가 유희적인 상형문자 형태의 장식으로 나타난다.

색과 형태, 그 이상의

우리는 그려진 대상 모두를 한눈에 알아볼 수 있다. 이들은 서로 관계 지어 짐으로써 본연의 사용 가치를 잃어버리지만, 이로써 사물들 사이에서 상호 작용하는 시적 이면서 은유적인 역학의 장이 생성된다. 이것은 우리가 저편에 있는 작가의 은유적인 작업 세계로 들어갈 수 있는 가능성을 열어준다.

‘두 개의 원 51-56 (사과와 파란 꽃병)‘ 연작에서 사과와 꽃병의 만남처럼, 많은 그림에서 사물들은 그들만의 긴밀한 관계로 침잠한 나머지 하나의 새로운 이질적이면서 독립적인 공존의 세계로 융합된다. 반대로 ‘두 개의 원 44-47 (사과와 워머)‘ 연작에서 두 사물의 만남은 상호 간 거리를 드러내며 방해되는 요인을 해명토록 재촉한다. 이 연작들에서 반복적으로 등장하는 모티프들은 자기 주장을 고집스럽게 하지 않고, 오히려 작가의 근본적인 생각을 새로운 회화적 표현으로 보여준다.

수 세기 전 유럽 정물화의 도상학은 그림 속 모든 사물에 종교적 상징을 의미로 부여했다. 이 전통(기호 사용자와 기호의 관계)은 20세기와 21세기의 예술에서 해체 되었고, 오늘에는 순수한 회화적 과정이 중요하다. 즉, 자연주의 회화에서처럼 보이는 그대로의 순간을 색과 형태로 재현하는 과정이 중요하다. 장은의는 그녀의 작업에서 한편으로 이와 같은 현대 회화 개념을 추구한다. 하지만 동시에 그녀의 작업에는ㅡ글의 도입부에 인용된 작가 노트에서 보이듯ㅡ내러티브, 기록 그리고 개인적 상징이 담긴 생각이 들어있다.

끊임없는 시작

이야기에는 시작과 끝이 있다. 하지만 필자는 언제쯤 그림에 ‘하나의 작업을 끝마쳤으니, 다른 작업으로 넘어갈 수 있어.‘ 라고 말할 수 있을까?

작가의 작업은 개인적인 계기로 출발하지만, 끝이 열려있다. 모든 이유는 말로 전해지지는 않으며, 그것들은 그들의 방식으로 드러날 때 가치가 있다. 어쩌면 그림을 그린다는 것은 끊임없는 시작일지도 모른다. 아무도 설명을 필요치 않는다고 해도, 그 다음 캔버스에 계속해서 그리는 것이 이에 대해 대답해 줄 것이다.

전념하며 마음 들여 보기

스치듯 지나가는 이미지의 범람과 우리 일상에서 넘쳐나는 인상과 영향에서, 작가는 우리에게 채색된 캔버스의 아름다운 표면 이상의 것을 체험할 수 있는 시간과 기쁨을 선사한다. 그것은 자신의 마음을 들여다볼 수 있는 가능성이다.

에케하르트 노이만(Artist, Curator, Critic) 2019

der Sommer, wenn Äpfel fallen

der Sommer, wenn Äpfel fallen

“Ich beginne zu arbeiten, wenn ich über mich oder Menschen in meiner Umgebung oder die Beziehung zu ihnen erzählen möchte. Meine Bilder erscheinen als Stillleben oder Landschaften, aber tatsächlich sind sie Geschichten über Menschen.” – Zitat Unui Jang, 2019

Diese Aussage von Unui Jang belegt, dass Empathie ihr erster Impuls ist Bildideen zu entwickeln, die sie in der Folge in Malerei umsetzt. Ergebnis ihres zweiten Arbeitsaufenthaltes im Haus der Kunst Enniger 2019 sind über dreissig Stillleben ihrer großen Werkgruppe „Zwei Kreise“, die ihr künstlerisches Konzept erweitern und eindrucksvoll visualisieren. Das Bildmotiv und deren Malweise geben die Intention der Künstlerin nicht vordergründig preis. Auch wenn die Bildgegenstände selbst immer in aller Deutlichkeit wahrzunehmen sind, ihre Bedeutungen und inhaltlichen Zusammenhänge wollen erst mit der Zeit entschlüsselt werden.

heitere Strenge

Unui Jang verfolgt seit langer Zeit beharrlich ihren künstlerischen Weg der Darstellung von Zuordnungen einfacher Dinge im Prinzip von Bilderserien. Ihre Konsequenz zeigt sich zunächst in der disziplinierten Abfolge ihrer Arbeitsschritte.

Entsprechend dem Ausstellungstitel begegnet uns dabei leitmotivisch der Apfel als Protagonist ihrer Bilder. Die Künstlerin ordnet ihn in zahlreichen formalen Variationen unterschiedlichen Gegenständen zu. Es folgen fotografische Aufnahmen der Situationen, immer von oben in einem exakten Winkel von 90 Grad. Sie dokumentieren den Sachverhalt und geben Gelegenheit zur kritischen Prüfung der Motivlage und der Größenverhältnisse. Hierbei trifft sie auch die Entscheidung über das Bildformat. Danach bringt sie die Vorzeichnung auf die Leinwand, die für die Malerin charakteristisch, in lichtem Blau grundiert ist. Schließlich beginnt der Malprozess. Es gibt die Reihe, bei der eine in Wuchs und Farbigkeit idealtypische Frucht in Beziehung zu einem ihm eigentlich fremden Gegenstand gesetzt wird. Dessen Gestalt ist in seiner Grundform auch rund, jedoch unterschiedlich in ihrer individuellen Oberfläche und Materialität. Wiederholt werden in einer weiteren Werkgruppe grüne Äpfel in Schalen und auf Tellern positioniert.

Im besten Sinne artistisch handhabt die Unui Jang dann die malerischen Herausforderungen ihrer Art naturalistischer Malerei. Duktus und Farbauftrag zeigen neben der notwendigen Genauigkeit jene Leichtigkeit, die die Bildgegenstände einfordern. Sie geben zugleich eine Ahnung des Wesens der Künstlerin. Mit heiterer Strenge schafft sie Bilder von höchster Präzision in Plastizität, Stofflichkeit und lebendiger Ausstrahlung. Auf der Bildfläche ohne Horizont, ohne Begrenzung entfaltet sich nur ein zarter Schattenwurf des Objekts. Er gibt uns ahnungsweise räumliche Orientierung.

Zu bemerken ist in den neuen Werkgruppen, dass die Malerin bei aller sich selbst auferlegter Reduktion dafür offen zeigt, freier mit dem Sujet, den Größenverhältnissen oder ergänzenden Schmuckformen umzugehen. So verleiht sie auf den großen Leinwänden durch stark vergrößerte Darstellung den Dingen eine geradezu magische Präsenz. In einer anderen Motivreihe zeigt sich das feine Zwiebelmuster eines Porzellantellers als spielerisch gesetztes skripturales Ornament.

allein Farbe und Form?

Alle Bildgegenstände können wir auf den ersten Blick identifizieren. Sie haben jedoch in der Kombination ihren eigentlichen Gebrauchswert verloren, zugunsten eines poetischen metaphorischen Kraftfeldes, das zwischen den Dingen interagiert. Es eröffnet uns die Möglichkeit, sich auf die übergeordneten, bzw. metaphorischen Gedanken der Malerin einzulassen.

In manchen Bildern gehen die Dinge eine so innige Beziehung untereinander ein, wie bei der Kombination „ Zwei Kreise 51-56 (Ein Apfel und eine blaue Vase)“, dass sie zu einem neuen artifiziellen selbstständigen Bildobjekt verschmelzen. In anderen Bildern, zum Beispiel bei „Zwei Kreise 44-47 (Ein Apfel und ein Stövchen)“ entwickelt die Kombination Distanz und fordert auf zu klären, was der Störfaktor sein kann. Diese Werkgruppen umfassen Motive, die nicht insistierend wiederholt werden. Vielmehr sind es immer neue malerische Formulierungen der künstlerischen Grundidee.

In der Ikonologie europäischer Stilllebenmalerei früherer Jahrhunderte können jedem Bildgegenstand religiöse Symbolbedeutungen zugeordnet werden. In der Kunst des 20.- und 21.- Jahrhundert sind diese Konnotationen aufgelöst.Es geht jetzt um den reinen malerischen Prozess, der auch in der naturalistischen Malerei allein auf das konstituierende Moment von Farbe und Form zurückgreift.

Unui Jang folgt in ihrem künstlerischen Zugriff einerseits diesem zeitgenössischen Konzept der Malerei. Gleichzeitig prägen ihre Malerei die anfangs zitierten narrativen und biographischen Gedanken in einer individuellen Symbolik.

immer ein Anfang

Geschichten haben ein Anfang und ein Ende.

Wann aber kann ich bei Bildern sagen: „Eine Bildidee ist abgeschlossen, ich kann mich anderen Dingen zuwenden?“ Der persönliche Ansatz der Künstlerin lässt ein Ende offen, es sind noch nicht alle Momente erzählt, die würdig sind in ihrer Weise visualisiert zu werden.

Vielleicht geht es um einen immerwährenden Anfang, ein Bild zu malen. Auch wenn es keiner weiteren Ergänzung bedarf, für sie bedeutet es den einen bildnerischen Prozess auf der nächsten Leinwand fortzusetzen.

Konzentration und innere Einkehr

In der Flut sekundenschneller Bilder und überbordenden Eindrücke und Einwirkungen unseres Alltags schenkt die Malerin uns Zeit und die Freude an einem Erlebnis, das so viel mehr ist als die schöne Oberfläche der bemalten Leinwand: die Möglichkeit innerer Einkehr.

Ekkehard Neumann(Artist, Curator, Critic) 2019